鬼附身

世界电影自诞生起，迄今已有110多年。
  百余年来，世界电影取得了极为辉煌的成就，这主要得益于世界各国电影创新运动（创作技巧、思想观念、技术手段）的推动，其中最重要者依次为：
  1915年前后，美国的格里菲斯（下图）在“视觉语言”上的集中突破。
  

  
  1920年代，世界电影的“第一次创新浪潮”（波及法、德、苏联等国）。
  1927年，电影开始有了声音，美国《爵士歌王》（右下）。(Warner Bro)
  
  
  1930年代，法国诗意现实主义电影的成就。
  1930～1940年代，好莱坞类型片模式的确立，及其大制片厂制度的建构与完备；
  1935年，电影开始有了“色彩”，美国《浮华世家》。
  1940年代中期～1950年代初期，意大利新现实主义电影的贡献。
  1950年代～1970年代，世界电影的第二次创新浪潮。包括：以瑞典(伯格曼)、法、意、日等国为主的“新浪潮”运动，以及1960～1970年代的新好莱坞和新德国电影的成就。
  
  
  1990年代以来数码艺术和技术对电影创作的深刻影响等等……
  当然，世界电影能有今天的魅力，还要感谢那些灿若群星的艺术大师：梅里爱、格里菲斯；爱森斯坦、卓别林、弗拉哈迪、格里尔逊、瑞芬斯塔尔；让·雷诺阿、希区柯克、奥逊·威尔斯、柴伐梯尼；黑泽明、伯格曼、特吕弗、戈达尔、安东尼奥尼、费里尼；法斯宾德、科波拉、斯皮尔伯格；李安等等……

  一、1895～1918年：世界电影的草创时期
  1、法国：卢氏兄弟、梅里爱、百代公司
  1895年12月28日，卢米埃尔兄弟（下图）在巴黎举行了世界电影的“首次商业”公映，他们放映了《工厂大门》《火车到站》《水浇园丁》等10余部短片，内容均为对工作、生活场景和自然风光的“片断式客观实录”。这天标志着世界电影的诞生。
  

  
  从1896到1910年前后，法国人梅里爱陆续导演了《月球旅行记》《太空旅行记》等多部具有科幻或神话色彩的作品，在世界电影史上成为了“剧情片”的奠基人和电影特技的先驱。
  从1895年起，直至第一次世界大战前，法国是全球最主要的电影生产和输出国，其中“百代公司”和“高蒙公司”的产销量最高。
  鉴于以上三个因素，法国被称为“世界电影的故乡”。

  2、美国：爱迪生、鲍特、格里菲斯、好莱坞
  1896年4月，爱迪生在纽约进行了全美首次电影商业放映，这标志着美国电影的开端。
  1903年，埃德温·鲍特导演的《火车大劫案》在商业和声誉上均获巨大成功，不仅奠定了美国西部片的经典样式，同时也有效地提升了美国电影在国内外的影响力。
  1915年，格里菲斯导演了巨片《一个国家的诞生》，该片广泛吸纳了世界电影在最初20年里的探索成就，如：平行剪辑、运动镜头、特写镜头、多角度摄影，并由此确立了以“镜头”而不是以“场面”作为影片结构基础的“电影叙事语言”，从而让世界电影开始由一种杂耍过渡为一门独立的新兴艺术形式。
  在1910年前后，作为美国电影产业中心的“好莱坞”，在加里福尼加州的洛杉矶地区崛起，并从第一次世界大战期间开始称霸世界影坛。

  二、1919～30年：世界电影的第一次创新浪潮
  这是一次世界性的电影创新浪潮，波及：法、德、苏、荷、美等国，为期十年左右，艺术成就主要体现在以下四个方面：
  1、苏联“蒙太奇学派”的创立
  这是苏联电影界创立于1920年代中后期的一个学派，它强调“1＋1＞2”，即：把两个或两个以上的镜头剪辑在一起，强烈而直观地表达出某些新的意义，并力图以此直接去影响、控制观众的思想。
  该学派的核心价值在于赋予了“剪辑”一个全新的功能——创造意义、传播思想。（剪辑在此前的功能仅限于：按叙事逻辑，把许多镜头拼装在一起、形成一个完整流畅的银幕故事。）
  核心人物和作品：爱森斯坦《战舰波将金号》/1925年，普多夫金《母亲》/1926年，前者偏重“思想的表达”，后者重在“有意味的叙事”。
  评价：苏联蒙太奇学派利用隐喻、象征等艺术手法，极大地提升了世界电影的“思想表达能力”，以及对观众头脑、情感的引导、控制能力。
  其缺点在于：它过度遮蔽了生活的暧昧性、以及人性的复杂性，因而使电影有时沦为灌输某种政治理念的宣传工具。
  其优点是：能够使影片主题鲜明，并具有很强的情感冲击力。
  备注：以往对“蒙太奇”的分类过于庞杂，事实上它基本可分为两大类：
  A、“表现性蒙太奇”，以爱森斯坦的作品为代表，重在“表意”；
  B、“叙事性蒙太奇”，实际上指的就是常规或传统意义上的“剪辑”。
  2、 “意识银幕化”的初步实现
  20世纪初直至第一次世界大战之后，多种思想、艺术流派在欧美兴起，例如：尼采的哲学思想（“上帝死了”）、萨特的“存在主义”、弗洛伊德的“精神分析”等学说，虽然这些思想流派五花八门，但它们普遍认为：人们在现实中所直接看到、听到的都只是生活的“表象”，只有通过人的精神感受、主观印象和想象，以及无意识、潜意识、下意识和幻觉、梦境，乃至精神错乱、疯狂状态等等“内心世界”的折射，才能反映出生活或人的本质。

  由于这些思想、艺术流派共同特征是：颠覆传统价值观念，主张个性自由抒发，重视对“心理现实”的认知和表达，并大多具有“非理性”的特点，因此，它们被后世统称为“现代主义”思潮。（注：邵牧君等学者则把它们概括地称为“内心现实主义”）

  上述思潮在第一次世界大战后，也波及到了电影创作中，并主要体现在以下流派及其代表作当中：
  1）德国：表现主义电影《卡里加里博士》/1919等。
  2）法国：①、印象派电影《黄金国》/1921等；②、达达主义电影《幕间休息》；③ 、超现实主义电影《贝壳与僧侣》/1927，《一条安达鲁狗》/1928等。
  上述作品可统称为“现代主义”电影。
  评价：“现代主义”电影的探索成就表明，电影不仅能够复制和再现看得见的“现实生活”,而且也可以表现与反映看不见的“内心世界”——在银幕上展现人的精神状态和意识活动，这无疑极大地丰富了电影的表现力，从而在精神、意识和情感的“银幕化”等方面，为后来的电影创作提供了多种可能性。

  3、 “纪录片”的创立与发展
  1）、1921年，美国人弗拉哈迪拍摄了《北方的纳努克》并取得极大成功，“纪录片”这一片种因此诞生。后来，弗拉哈迪又拍摄了《摩阿拿》《亚兰岛人》等一批纪录世界各地人类生活的影片，因此，他既是“世界纪录片之父”，也是“人类学纪录片”的奠基人。
  2）、1920年代，苏联人维尔托夫等人拍摄了大量新闻纪录片，主张“利用比人的眼睛更加完美的电影眼睛——电影摄影机，来研究充满空间的庞杂视觉现象……”，因此被誉为“电影眼睛派”，代表作是《持摄影机的人》（1929）。
  “电影眼睛派”反对简单纪录生活，主张用多种独特的镜头、剪辑和特技去捕捉与表现生活，这一流派的美学追求与风格，对后来各国的纪录片创作影响很大。
  此外，法国人让·维果的《尼斯景象》，荷兰人伊文思的《雨》《桥》等，也是1920年代纪录片的杰作。这些作品不再局限于平铺直叙地客观摄录现实，而是通过多维的视角和特殊的剪辑去表现现实，这使许多原本十分平凡的日常生活问题和景象，具有了诗一般的情调和社会内涵。

  4、 “纯电影”的艺术成就
  有关“纯电影”的概念和实践主要出现在1920年代中后期。
  纯电影一般完全不要故事情节、乃至摒弃思想主题，重在将一些运动、变化着的事物或有趣的现象，以极富韵律感的方式剪辑在一起，刻意要把电影做成一种“看得见的音乐”或“视觉的舞蹈”。代表作主要有出自法、德两国的《机械舞蹈》和《对角线交响曲》等。
  评价：纯电影是对“电影的形式美”和“电影节奏美”的一种极端化的实验和追求。
  5、 “有声电影”开始面市
  第一部有声片是美国的《爵士歌王》(1927)。
  （注：进入1930年代之后，世界各国普遍开始了对有声电影的探索，大约从1930年代中期之后，默片才最终从国际电影市场上消失。）
  声音的介入，极大地增强了电影的表现力：
  1）对白：空前丰富了电影的信息量，使之能在有限的时间里讲述复杂的故事；
  2）环境和心理音响：强化了电影的空间感、真实感，以及银幕上下的心理感受；
  3) 音乐：可以事半功倍地使影片中的气氛与情感得到有力的渲染和表达。

  小结：对“世界电影第一次创新浪潮”的总体评价
  1920年代的这次创新浪潮，可以统称为世界电影史上的第一次“先锋运动”，参与其中的各个电影流派虽然在主张上、作品风格上各具特色，但它们却都有一个共性，那就是从各个角度、运用各种方法，最大限度地，甚至是极端化地探讨、挖掘了“银幕视觉表现”的多种潜力，这些努力极大地推动了银幕画面在传情达意上的能力，从而使后来的电影既可以像“苏联蒙太奇”那样，鲜明而强烈地表达某种思想观念，也能够像法国、德国的“现代主义电影”那样，或隐晦暧昧地表现“人的种种欲望与好恶”，或生动活泼地展示各种“视觉的舞蹈与音乐”……
  可以说，通过这十年的努力，世界电影无论在影片的种类与数量上，还是在艺术的水准和多样性上，抑或在思想的深度与广度上，乃至在声画的结合上，都已经使得电影本身成为了一个影响广泛的、具有独特魅力的、世界性的艺术品种！
  三、1930～1940年代的世界电影
  1、“好莱坞”的发展与壮大
  从第一次世界大战期间开始，以“好莱坞”为主要生产基地的美国电影，就已经在国电影市场上取得了垄断性的地位。
  经过1920年代的发展，好莱坞陆续形成了以米高梅、派拉蒙、华纳兄弟、20世纪福克斯、环球、哥伦比亚、雷电华、联美等八大公司为龙头的多个垄断性的电影企业。同时，好莱坞的“制片厂体制”也得到了进一步完善。其特点主要有：
  ①、制片人专权。
  ②、集制片、发行、放映于一体的大规模的垄断性企业。
  ③、制片厂内部分工精细，工业化的流水线运行模式。以生产“类型片”为主。
  ④、明星制度。
  “制片厂制度”秉持市场为本的原则，能够在制片人的强力统筹下，进行高效率的生产；其垄断性的的“运行模式”，则保证了所有产品都能进入院线；而“明星”则是最有票房号召力的“海报”。
  “1930～1940年代”，是好莱坞历史上最为辉煌的一个时期——佳作迭出、人才辈出，利润更是滚滚而来。这一时期，好莱坞、对世界电影艺术的最大贡献在于：成功地推出了大量各具特色的“类型片”——这是各国电影产业实现可持续、快速发展的一条捷径。
  “类型片”主要有：
  西部片：《关山飞渡》/1939/约翰·福特。
  喜剧片：《一夜风流》/1934/弗兰克·卡普拉。
  歌舞片：《出水芙蓉》/1944。
  强盗/黑帮片：《疤脸大盗》/1932。
  科幻/恐怖片：《弗兰肯斯坦》/1931。
  悬疑/恐怖片：《蝴蝶梦》/1940/希区柯克（下图）
  
  
  
  
  注：好莱坞成为世界影坛“常青树”的关键因素
  1）、美国雄霸天下的综合国力与开放多元的社会制度，保证了好莱坞在资金上的投入与回收、以及影片主题与风格的多样化——这是好莱坞长盛不衰的“根本保证”。
  2）、科学、规范、高效的管理体制。
  3）、极强的人才吸纳能力（卓别林、希区柯克、奥逊威尔斯、李安等）。
  4）、与时俱进、永远领先的技术实力。
  （1927/有声片《爵士歌王》；1935/彩色片《浮华世家》；1977/高科技《星球大战》……）
  5）、挖掘、培养大量享誉世界的明星。
  6)、推出一系列独具魅力的“类型片”。
  2、、“法国诗意现实主义”电影流派
  这是法国在进入1930年代后，出现的一个并无明确艺术主张、但有共同创作倾向的电影流派，其核心人物是让·雷诺阿。








  “法国诗意现实主义”贡献在于：
  1）、在形式上，以“长镜头”和“景深镜头”为主，系统的确立了写实主义电影语法。
  2）、在内容上，强调反映生活的复杂性、暧昧性、日常性，淡化戏剧式冲突。
  该流派的代表人物和作品：
  让·雷诺阿/《幻灭》/1937、《游戏规则》/1939，
  让·维果/《操行零分》/1933、《驳船亚特兰特号》/1934；
  雷内·克莱尔/《巴黎屋檐下》/1930、《自由属于我们》（1932）；
  马赛尔·卡尔内/《雾码头》/1938等。

  苏菲玛索

3、英、德两国的纪录片成就
  在1930年代，世界纪录片创作有了长足的发展，其中成就最高者为英、德两国。
  （一）、英国在1930年前后开始，出现了一次由格里尔逊倡导、组织的纪录电影运动，他们拍摄了100多部纪录片，形成了著名的英国纪录片学派。
  他们认为：通过艺术化地处理真实生活场面，电影可以成为一种有社会意义的宣传手段。代表作有：《漂网渔船》/1929，《工业的不列颠》/1932，《夜邮》/1936等。
  （二）、瑞芬斯塔尔是一位杰出的德国女艺术家。她在1930年代的纪录片代表作有：
  《意志的胜利》/1934——记录了希特勒在纽伦堡召开第四次纳粹党代会时的壮观场面。
  《奥林匹亚》/1936——纳粹德国为1936年的柏林奥运会所作的宣传片。该片效果超出了对奥运会的单纯记录，成为对运动中的人体的礼赞，很多体育运动的拍摄技巧由此片首创。
  瑞芬斯塔尔在电影的镜头调度、摄影和剪辑等方面的成就，让人叹为观止。
  4、意大利“新现实主义”电影流派
  起止时间在1945～50年前后。
  代表人物：柴法蒂尼、罗西利尼、德·西卡等。
  代表作有：《罗马，不设防的城市》/1945、《偷自行车的人》/1948（左图）
  
   《罗马11时》/1952。
  主要艺术主张：
  1）形式上：“把摄影机扛到大街上”——追求实景拍摄、纪实风格。
  2）内容上：“还我普通人”——以表现底层百姓生活为主，常启用非职业演员。
  四、1950～70年代：世界电影“第二次创新浪潮”
  从1950年代中期开始，受当时流行于欧洲的“存在主义”等思潮的影响，世界电影艺术出现了历史性变革，出现了大批“现代主义电影”——旨在展示西方资本主义社会中面临的种种精神危机。其特点如下：
  在影片内容上，开始质疑一些传统的价值观念（如：宗教等），并提出了不少此前曾被忽视或遮蔽的社会问题。此外，这次创新浪潮还在“意识银幕化”方面进行了更为深入、广泛的探讨。
  在摄制形式上，突破了一些常规的电影语法，如“拍摄轴线”和“流畅剪辑”等观念。
  与1920年代那次为期十年左右的创新浪潮相比，这一次持续的时间更久（前后近20年），高潮期在1959～70年前后，所波及的国家更多，主要有：法国、瑞典、意大利、美国、德国、日本等。总体上，可以被统称为一次世界性的“新浪潮”电影运动。
  总体而言，当时的世界电影由原先注重叙事的写实主义电影，逐渐转向了注重内心剖析的“现代主义” 电影。
  1、法国：特吕弗、戈达尔；阿仑·雷乃
  在这次世界电影“新浪潮”运动中,法国的“电影手册派”和“左岸派”这两大流派都有出色表现。
  1）“电影手册派” ：依托法国著名电影理论杂志《电影手册》成长起来的一批青年导演，代表人物有：特吕弗/《四百下》/1959、戈达尔/《筋疲力尽》/1959等。
  
  
  他们突破了传统的电影摄制方法，成本低、周期短，采用实景和自然光效拍摄，大量启用非职业演员，特别是他们打破了自格里菲斯以来的电影叙事模式和情节结构方式，常用“非逻辑的事件组合”代替以往的“流畅剪辑与逻辑结构规则”，在时空表现上极为灵活率性，例如：戈达尔用跳接和快速剪辑，取消了传统的化入化出、淡入淡出等手法；特吕弗等人则充分发挥了长镜头在叙事上的纪实性。

  2）“左岸派” ：居住在巴黎塞纳河左岸的一批作家导演，以阿仑·雷乃的《去年在马德里昂巴德》/1958/和《广岛之恋》/1961/为代表。
  这批作品继承1920年代法国先锋电影的探索成就，围绕：记/回忆、潜意识、下意识、幻觉等问题，把有关“意识银幕化”的探索推向了一个新的高度。
  总之，法国“新浪潮”在电影拍摄和剪辑上，以及在“意识银幕化”等方面的探索，极大地丰富、推动了世界电影的发展。
  2、瑞典：伯格曼
  在这次世界性创新浪潮中，瑞典电影大师伯格曼做出了独树一帜的出色成就，其代表作是：《第七封印》/1956，《野草莓》/1957，《处女泉》/1959，《呼喊与细语》/1972等。
  伯格曼充分运用隐喻、象征的手法，不仅表达了对宗教的质疑与排斥，还深入探讨了现代西方社会人与人之间的隔膜和人生的孤独与苦闷。例如：他在《野草莓》中完全打破了时空界限，表现了一个老人对死亡的恐惧、对孤独根源的探索和对生命再生的渴望。
  伯格曼在摄影构图、色彩影调、环境渲染、剪辑技巧和指导演员等方面都有杰出成就。他把现实主义手法与意识流手法有机地、富于创造性地结合起来，创立了电影表现的新风格和新手法，使电影成为一种表现人类精神状态的艺术，对1960～70年代的西方电影产生了重大影响。
  3、意大利：安东尼奥尼、费里尼
  与此前注重社会性和纪实性的“新现实主义电影”相比，意大利的新浪潮电影更偏重于一种个人化的表达方式，更关注生活中的个体的生存境遇、心理状态和情感矛盾，例如：人生的孤独与隔阂、荒诞和异化，以及在生存困境中的茫然失措等等；在表现形式上，则打破传统叙事规则，往往以某个哲学观念或心理意绪为核心，展示编导对自身和世界的主观态度以及抽象哲理思考，尤其侧重于对当时西方社会中人们那种纷繁杂乱的内心意识或潜意识的揭示。代表人物主要有：
  安东尼奥尼：《奇遇》/1960、《红色沙漠》/1964、《放大》/1966/等。
  费里尼：《甜蜜的生活》/1960、《八部半》/1962/等。
  4、美国：新好莱坞电影
  1960～70年代，美国社会连续出现了大量社会问题，导致公众对既有社会制度和价值观念的怀疑、乃至敌对态度，一些试图打破传统束缚和秩序的“反文化思潮”随之兴起。
  在上述社会背景下，美国影坛于1960年代末、1970年代初，出现了等一批新导演，他们的影片革新了传统好莱坞的僵化模式，标志着“新好莱坞电影”的诞生。
  “新好莱坞电影”的特点如下：
  在思想内容上，对美国的社会问题进行了多方面的深刻揭示、反思与探讨，尤其是表现了青年人的种种疑虑与反抗，出现了一系列“反传统、反主流文化”、甚至违法犯罪的主人公形象，而他们的对立面，却正是传统好莱坞曾竭力颂扬的各色守法、护法的正面人物。虽然片中的“坏人”最终大都受到了惩罚，但却往往因其社会性的、悲剧性的堕落原因，成为了事实上被同情的对象，而主人公的对立面——国家法律、传统道德等反而成为真正的被谴责对象。

  在电影语言上，突破了传统的时空连续性和线性情节结构，大量借鉴欧洲新浪潮电影的艺术手法，自由地处理时空关系。同时，在运动摄影、声音处理、剪辑技巧、实景拍摄等方面都取得了显著成就。
  “新好莱坞电影”代表作有：
  阿瑟·佩恩/《邦妮和克莱德》/1967、
  
  
  迈克·尼科尔斯/《毕业生》/1967、
  
  
  伍迪·艾伦/《拿了钱就跑》/1969、
  库布里克/《发条桔子》/1971、
  科波拉/《教父》/1972、
  
  
  乔治·卢卡斯/《美国风情画》/1973、
  马丁·斯科西斯/《出租汽车司机》/1975、
  
  
  斯皮尔伯格/《大白鲨》/1975……
  5、德国：新德国电影（西德）
  第二次世界大战后直至1960年代初，由于种种原因，西德电影在经济和艺术上日益走低。为了挣脱困境，1962年在奥伯豪森市的一次集会上，一些西德青年电影人倡议“创立德国新电影”——与传统商业性电影决裂，创立具有国际性的新电影（后来被称为“奥伯豪森宣言”）。“新德国电影”由此发端，并于1970年代中期至1980年代初期达到了高潮。其代表人物及作品为：
  克鲁格/《告别昨天》/1966、
  赫尔措格/《人人为自己，上帝反大家》/1974、
  法斯宾德/《玛丽娅·布劳恩的婚姻》/1978、（左图）
  
  
  施隆多夫/《铁皮鼓》/1979、
  文德斯/《德克萨斯州的巴黎》/1984……
  “新德国电影”的主要成就在于：
  在思想内容上，首先是以理性、真诚的态度，对纳粹德国的罪孽、以及战后西德社会的种种丑恶现象，进行了深刻的揭示与剖析。此外，还从历史和现实的多个角度，对人性、欲望、人际关系等问题作了广泛探讨。
  在艺术形式上，一方面常常使用“间离效果”和开放式的叙事结构，使作品呈现出浓郁的反思与哲理意味；另一方面，法斯宾德等导演也充分吸收、借鉴了法国“新浪潮”和美国好莱坞的表现手法，使部分作品能够在思辨性与观赏性上取得双赢。此外，文德斯还别出心裁地为世界电影奠定了“公路片”这样一种独特样式。
  五、1980年代以来：CG技术对世界电影的深远影响
  “数码艺术”即“新媒体艺术”，其表现手段与方式，主要是运用“CG技术”（computer graph），即“电脑图形图像技术”，来进行艺术创作。CG技术包括“虚拟影像合成技术”和“数字合成技术”。
  1980年代以来，建构在CG技术之上的数码艺术为电影创作带来了无限可能性和极大的便利。
  1、能够让编导的艺术才华和愿望得到充分施展，把许多原先无法表现的题材，能够“无中生有”地、逼真地呈现在银幕视听上，这尤其体现在的各种银幕奇观上。例如：在1994年的《阿甘正传》中(下图），阿甘与肯尼迪总统的“历史性”握手；2000年的《角斗士》中的“人虎激战”；以及对其他影片中各种魔幻、灾难和宏大场面的营造。





  
  
  2、能够极大地降低“巨片”制作的成本，同时有可能创造巨额财富。

[ 本帖最后由 昨夜風 于 2013-11-2 12:33 编辑 ]

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